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LENGUAJE VISUAL Y TÉCNICA

Garcete desarrolla su obra dentro del marco del Arte Oscuro, centrando su práctica en la fotografía intervenida y el montaje de imágenes. Cada uno de los elementos visuales que componen la escena ha sido previamente registrado mediante su propia lente; la edición digital opera exclusivamente como un medio de ensamblaje y transformación sobre materia real.

Su proceso creativo parte de una profunda reflexión sobre las limitaciones de la captura directa, desde la convicción de que una instantánea por sí sola resulta insuficiente para articular aquello que toma forma en su mente. Por ello, se sumerge en un proceso arduo en el que la idea poética casi siempre surge después de haber tomado la fotografía. Dedica meses a trabajar cada pieza —un rigor que lo lleva a mantener una mirada sumamente crítica sobre su propio archivo—, dando como resultado un cuerpo de obra muy selecto.

Su estilo se define por el uso meticuloso de siluetas construidas mediante técnicas de contraluz. Estos cuerpos —que a menudo provienen de retratos de amigos, familiares o desconocidos, aunque también de la fotografía de estatuas o de la recuperación de recortes y collages de retratos decimonónicos— son ensamblados por Garcete hasta hallar la composición exacta que busca para cada narrativa. Estos elementos, junto a arquitecturas en ruinas, paisajes nocturnos y árboles desnudos también capturados en el mundo físico, son redimensionados mediante la postproducción para habitar espacios que oscilan entre lo cotidiano y lo onírico.

A través de una paleta estrictamente monocromática de grises y negros profundos, como se evidencia de forma paradigmática en su serie Muerte de la luz, construye atmósferas nocturnas iluminadas por fuentes tenues —principalmente la luna o focos de luz remota— que intensifican el claroscuro. Este tratamiento visual, influido tanto por el cine expresionista alemán como por estéticas contemporáneas que van desde la ilustración hasta el lenguaje de videojuegos como Limbo, no persigue un efecto decorativo, sino una reducción formal que permite a la imagen funcionar como una metáfora abierta.

IMAGINARIO Y REFERENTES

Su imaginario bebe de referentes diversos: la mitología griega, la tradición romántica —reflejada en su serie Himnos a la noche—, el surrealismo de René Magritte —visible en obras como Oda a la libertad— y la precisión de Auguste Edouart, maestro decimonónico del retrato en silueta.

En lo que respecta a la composición de siluetas, Garcete se inspira especialmente en los retratos del siglo XIX de la época victoriana, que busca reinterpretar desde una perspectiva contemporánea. Mientras que Edouart buscaba preservar la identidad de sus modelos, Garcete la descompone digitalmente para transformarla en un signo universal. Este enfoque revela también la influencia de Lotte Reiniger, al utilizar la silueta como un lenguaje autónomo con capacidad narrativa, situado entre lo inquietante y lo poético.

La tradición gótica aporta otra dimensión a su imaginario: lo ominoso, la ruina y la decadencia conviven con un lirismo oscuro que dialoga con la obra del simbolista checo František Kobliha. Figuras recurrentes como médicos de la peste, demonios o criaturas híbridas de apariencia entomológica no buscan provocar, sino encarnar una poética de lo desconocido.

LA AMBIGÜEDAD ENTRE TERROR Y TERNURA

Una de las dimensiones más personales de la obra de Garcete reside en la disolución de los límites entre lo terrible y lo bello. Sus imágenes, aunque afines a la atmósfera de una pesadilla, contienen simultáneamente intimidad, melancolía, amor y una fragilidad contemplativa.

Esta tensión encuentra una expresión particularmente clara en su obra La ternura del terror, donde la presencia de lo monstruoso no anula la dimensión afectiva de la escena, sino que convive con ella. Lo que a primera vista podría producir extrañeza o inquietud adquiere, bajo una mirada más detenida, una dimensión íntima y vulnerable. El terror deja así de funcionar como una amenaza para convertirse también en una forma de ternura; lo monstruoso puede ser amado, y aquello que parece inquietante puede contener una inesperada belleza.

Dos siluetas abrazadas pueden sugerir la cercanía de unos amantes o, bajo el peso de la oscuridad, transformarse en dos espectros, dos muertos o el testimonio de un encuentro imposible. De igual modo, los elementos de la naturaleza operan como símbolos ambivalentes: el vuelo de un pájaro vacila entre la idea de libertad y la presencia de un presagio infausto; la luna transita de la belleza contemplativa a la vigilancia continua; y el árbol desnudo se presenta como un vestigio casi esquelético en el umbral entre la vida y la extinción.

Toda la obra se sostiene sobre esta tensión fundamental: lo bello contiene terror y el terror contiene ternura. De este modo, Garcete rehúsa los recursos del terror convencional —evitando el sobresalto explícito— para generar un estado de inquietud poética mucho más persistente, sustentado en aquello que la imagen sugiere pero nunca termina de revelar.

EJE CONCEPTUAL: LA MUERTE

La muerte constituye el núcleo temático de su obra y una obsesión constante. No es abordada como un final trágico ni como un mero hecho biológico, sino como un fenómeno incognoscible que escapa a la comprensión racional. Para representar lo irrepresentable, Garcete recurre a iconografías ambivalentes y mitologías humanizadas, como en la serie Heraldos de la peste, donde la muerte adopta la forma de una mensajera alegórica envuelta en una estética que combina lo siniestro y lo sublime.

Su obra no ofrece respuestas ni relatos cerrados. Cada imagen funciona como un umbral: un espacio de contemplación y duda donde lo humano, lo monstruoso y lo sagrado conviven sin jerarquías. La noche, lejos de ser un refugio o una mera ausencia de luz, se convierte en un territorio de revelación; un lugar donde la imagen no explica, sino que interroga.